Billboard JAPANが注目するアーティスト・作品をマンスリーでピックアップするシリーズ“MONTHLY FEATURE”。今月は、約4年ぶりのオリジナル・アルバム『ユーモア』をリリースしたback numberのインタビューをお届けする。

　2022年は2年半ぶりの有観客アリーナ・ツアー【SCENT OF HUMOR TOUR 2022】を開催した彼ら。同時に、コロナ禍の影響で中止となった2020年のインターハイがきっかけで作られた楽曲「水平線」が、YouTube上で初めて公開されてから2年が経ち、気づけばバンドの新たな代表曲となり、リスナーとの強いつながりを生み出した1年でもあった。

　『ユーモア』はその「水平線」に加え、「エメラルド」から「アイラブユー」までのシングル表題曲と新曲をコンパイルした計12曲を収録。これまでにない感覚で臨んだというアリーナ・ツアーを経て、彼らが辿り着いた“ユーモア”の境地、バンドの現在地が刻まれた本作について、清水依与吏（Vo, G）に話を訊いた。（Interview & Text: Takuto Ueda）

――まずは2022年について。どんな1年だったと振り返ることができますか？

清水依与吏：4月にスタートしたアリーナ・ツアー【SCENT OF HUMOR TOUR 2022】の印象が強いですね。あのツアーはなるべく気負わずにというか、できれば楽しくやりたいというふうに思っていて。今までは「ツアーが終わったらこうなっていたい」「だからこういう努力をして……」みたいにちょっと気負っていた感じがあったけど、コロナを経て、自分自身を甘やかしてあげたり、ちゃんと楽しい時間を作ってあげたりするのってすごく大事だなと思い知ったので。

――肩の力を抜くというか。

清水：【one room party】というファンクラブ向けのライブがあるんですけど、それに近い空気でしたね。ずっと眉間にしわ寄せながらやっていたら、苦行のまま終わってしまうなと思って。もちろん楽しいだけじゃなくて、いざステージに上がれば責任感とかなんやかんやが付き纏ってくるんだけど、でも大前提に楽しさを置いてツアーを回れたのはすごく大きかったかな。

――清水さんがコロナに感染されて一部公演が延期となりつつ、9月には幕張メッセにてファイナルを無事迎えました。

清水：ファイナルをやれたとき、今までとはまったく違う景色が見えたんですよ。自分たちが満足するためのツアーだったはずなのに、最終的には喉の渇きに気づいたというか。もっとできるんじゃないかという不思議な感覚でした。あの感覚って何だったんだろうと考えながらアルバムの仕上げ作業を進めていくなかで、改めてユーモアという言葉に向き合って。

――その渇望感の正体って何なんでしょう？

清水：なんかこう、楽しいもストイックも全部ひっくるめての本気みたいな。そういうところにまだ辿り着けていなかったかもしれないという、新しい感じでした。一言じゃ言い表せなくて。ものすごくギラギラしているけど、同時にものすごくナチュラルでもある。絶対に並列に置けないと思っていたものが混在して、そこにある感覚というか。そういう境地に行けそうなヒントを得た気がしていて。それに向き合って考えるために、3人でスタジオに入っていろいろ実験したりしていました。

――それがアルバムの制作期間でもある？

清水：そうですね。でも、ツアー中にも「ベルベットの詩」や「アイラブユー」は作っていて。特に「ベルベットの詩」は作詞に苦戦したんですよね。たぶん10パターン以上書いたけど、まったく納得できなくて。それで頭の回路もおかしくなってきた頃、最終的に普通の言葉というか、なんの奇もてらえないような歌詞が出始めて。これは恥ずかしいぞと思いつつ、むしろそれが心地いい状態というか、「ああ、これでいいんじゃん」みたいな感じになったんです。バンドを始めた頃に戻ってきたような感覚でもありました。

――ツアーを回って様々な気づきや学びがあったのかと思いますが、それらが今回のアルバムにどんなフィードバックをもたらしたと思いますか？

清水：いつの間にか「普通に考える」ということができなくなってしまったなって。ベタであることとか、ある種の初心みたいなものを失っていたと思っていて。そういう、自分たちが「普通に考えたらこれでいいじゃないか」と思うことを素直にやれる強さは、それこそツアー中に「ベルベットの詩」を書いたあたりから感じるようになりましたね。思ったことを思った通りに歌う、すごくナチュラルな状態の自分に帰ってきたような。それは思っていたよりもストイックなことだったけど、少なくとも昔だったらありえなかった精神バランスだなと思います。もし自分がコロナに罹らず、何事もなくファイナルを終えていたら、たぶんまったく別のアルバムになっていたんじゃないかな。

――その心境の変化は特にどんな部分に影響しているのでしょう？

清水：「秘密のキス」や「ゴールデンアワー」とかはツアーが終わってから書いたので、特に歌詞の面で影響を受けていると思います。この2曲に関しては、アルバム制作の終盤で「あれ、まだあれもこれもやってないじゃん」「この色とこの色が必要じゃん」と思って作った感じで。

――なるほど。この2曲はアルバムにおいてどんなエッセンスだったのでしょう？

清水：1曲目の「秘密のキス」は最後に書きました。なので、このアルバムでやっていなかったback numberを全部入れた、みたいな感じでしたね。最近はシリアスなタイアップ・ソングも多かったですし、ほかにも例えば「水平線」は人間としての芯を捉えようとするような曲だけど、自分としてはもう少しアルバムでボケたかったというか。その欠けていたピースを埋めるだけだったので、この曲はけっこうスムーズにできました。

――今のback numberの本領を発揮した曲でもある？

清水：そうですね。「久々に得意な感じで書いたわ」みたいな。例えばタイアップって、相手の土俵で相撲をとるような感覚なんですよ。それでも相手を倒せるのが横綱だと思うし、それはそれで美学として向き合ってはいるけど、自分たちで一から土を固めて作った土俵の上で自分たちで舞う、みたいな曲を1曲目にしたかったんですよね。「怪盗」と迷ったけど、やっぱり新曲で始まりたかったし。

――対する「ゴールデンアワー」はいかがでしょうか？

清水：この曲も「ベルベットの詩」や「アイラブユー」みたいな曲を作ったからこそ、こういうテイストになったと思っていて。改めて、自分の身の回りの環境や世の中に対して、自分がどういうふうに向き合っているかを書いておきたいなと。

――骨太のロック・サウンドに乗せた、バンドの反骨精神が感じられるリリックが印象的です。

清水：ありがたいことにback numberというバンドの規模は広がり続けていると思うけど、正直、自分たちが一番売れてるだとか、日本のど真ん中にいるような感覚になったことなんて一度もなくて。ヒット・チャートを見ていると、毎年新しい才能がどんどん出てくるし、先輩もずっと活躍していてすごいなと思いつつ、音楽がその人の胸のどのくらい奥まで入っていったかを測るランキングなんて存在しないじゃないですか、今のところ。ドームでライブをやれるのも、1対1で向き合ってくれるみんなの気持ちの結晶なわけだし。まぁ、職業なので数字にも向き合わなきゃいけないけど、そこに過去は書いてあっても未来が書いてあるわけではないので。

この4年間はしんどかったけど、きっと「水平線」が救ってくれた

――やはり後輩アーティストからも刺激を受けますか？

清水：受けますよ。例えばヒゲダンとか、ちょっと何が行われているか分からない（笑）。米津玄師もKing Gnuもすごいし、それは年齢とか関係なく、音楽的な才能とか探求心みたいなことなんですよね。そういう人たちと同じところで戦えていることがすごく誇らしくて。もちろん「負けたくない」という気持ちはあります。でも、その勝ち負けの基準は自分たちで決めるものだし、自分たちが悔しいと感じたなら「もっといい曲を書こうね」と言い聞かせていくしかないと思っていて。

――こちらもアルバムの新曲「添い寝チャンスは突然に」。約1分半の短尺ナンバーです。

清水：これは歌詞を先に作りました。最初に＜私はおとなしく後ろで寝たフリをして／あなたのキスを待っている＞の部分が浮かんで、そこからかな。どうやって広げようか考えたとき、もうこれでしかない、これ以上この場面を語るのは野暮だろうと思って。

――まさしく一筆書きのシンプルな疾走ナンバーですね。

清水：ただ、最初に作ったときは何か足りないというか、勢いはあるけどフックがないなと思って。地元の後輩であり尊敬するバンドマンでもある（柿澤）秀吉に「切れ味を足してくれない？」とお願いして、アレンジをし直したんです。それで秀吉が考えてくれたフレーズを俺がレコーディングしたんですけど、歌とリズムが合い過ぎる感じがして納得できなくて。試しに秀吉にも弾いてもらったら「それそれ！」ってなって、そのまま使わせてもらいました。

――立役者ですね。

清水：本当にそうです。秀吉はギターの師匠でもあって。俺はスリーコードがあれば言いたいこと言えると思ってるから、秀吉がいろんなコードを教えてくれたり。もともとギターをリアピックアップで弾いていたんですけど、秀吉が「こっちのほうが依与吏さんの声に合うんじゃないですか？」ってセンターに変えてくれたりして。

――「Silent Journey in Tokyo」はエスニックな趣のあるナンバー。続く「エメラルド」への流れも含め、官能的な世界観が色濃く出ています。

清水：曲順は本当に悩みました。考えすぎて一周しそうになったぐらい。back numberを初めて聴いた人も、シングルをすでに穴が開くほど聴いていて新曲が楽しみという人も、どちらにも最後まで楽しんでもらいたい。そこに自分たちのエゴも入ってくるわけですよ。それこそ新曲を1曲目にしたい、とか。

――最終的にどうやって決めていったのでしょう？

清水：とにかく聴いたんですよ。シャッフルにして。そしたら「お、今のなんだ？」とか「あ、その解釈あるんだ」みたいな。「Silent Journey in Tokyo」と「エメラルド」の流れもそうだし、あとは「黄色」から「添い寝チャンスは突然に」もそうでした。シャッフルってたまに奇跡を起こすんです。先入観の外側からパスをくれるので。

――アルバムのラスト「ヒーロースーツ」と「水平線」も興味深い曲順でした。タイトルでも示唆されているように思いますが、ユーモアとシリアスが絶妙に渾然一体となったアルバムに感じます。「ヒーロースーツ」は戦隊モノをモチーフに遊び心満載で描かれた、物語の主人公になれない“僕”の歌。

清水：こういうことばかり考えている気がします。「高嶺の花子さん」とかもそう。＜いや待てよ　そいつ誰だ＞の世界ですよね。自分は誰かになることはできないけど、それを思い知ることで自分になっていく。この4年間で自分自身が強く感じたことでもあるし。

――改めて「水平線」はこのアルバムのどんなピースになりましたか？

清水：このアルバムのフェーズは「エメラルド」から始まったと思っていたけど、あとから「水平線」が追いかけてきたというか。なので、最初は「秘密のキス」で始まって「ヒーロースーツ」で終わっていいぐらいに思ってました。ドラマが11話まであって、でも実は“エピソード0”の「水平線」から始まっていたという感じ。

――それでも最後は「水平線」で締めくくった。

清水：この4年間はしんどかったけど、きっと「水平線」が救ってくれたと思っていて。この曲をYouTubeで公開したとき、例えばすぐに再生回数が今ぐらいまで増えていたら、たぶんおれはその数字にあぐらをかいて「このままでいいんだな」って、謎の安心感に溺れてつまらないアルバムを作っていたと思う。「水平線」からは船出のきっかけをもらえたし、その始まりの港にちゃんと帰ってこれたというか。だから、この曲でアルバムを締めくくったら「もう解散じゃね？」みたいな、そういう雰囲気が出ちゃうよなってメンバーとも話していて。でも、やっぱり普通に考えたらこの曲が最後なんですよね。「いいじゃん、ベタで」っていう。

――まさしくツアーとアルバム制作の期間にもたらされた気づきが福音となったわけですね。

清水：俺らが思うベタはみんなにとってのベタではないし、俺らがやる普通は今の時代の普通ではないよって。というか、俺らが普通だったことなんてないじゃないか、いつも“誰か”が真ん中で売れていて、俺たちはその横にいて、back numberがオルタナティブなのは今に始まったことじゃないじゃんって。

次のフェーズでは何かやりたいなと思っています

――2020年8月にYouTubeで公開された「水平線」。その1年後には音源配信が始まり、同時にTikTokなどSNSでもバイラルが広がっていきました。これをきっかけに“音楽の届け方”に関する発見などはありましたか？

清水：楽しみ方の種類が増えただけで、みんなめちゃくちゃ音楽を聴いてるなと思いましたね。TikTokなんて最高の遊び場だと思います。そこに遊び道具をどういう形で提供するか、という部分でみんな頭を抱えているんだと思うけど。ただ、俺らは、こういうふうに遊んでくださいと提案するより、誰かの人生のどこかのドラマの一場面にフィットすると信じてやってきたし、特にこの4年間はそういうスタイルが合っているなと実感しました。

――実際、TikTokで「水平線」を使った動画を見てみると、何気ない日常に寄り添う形で愛されているなと思います。

清水：狙うこと自体はできるかもしれないけど、狙った通りになったところできっと嬉しいとも思えないだろうなって。たぶん、想像を超えてほしいんですよね。だから、「あ、そういう使い方をしてるのか」みたいな発見をこれからも楽しめたらいいなと思います。あと、カップリングという概念がほぼなくなってくれたのも、すごくありがたい。絶対に捨て曲を作りたくないと思ってずっとやってきたので。

――ストリーミング配信の影響もあって、楽曲単位でのアクセスが容易になりましたしね。

清水：俺だってランキングの上位に入った曲も自分が気に入らなかったら聴かないし、今はみんなそうなんじゃないかな。少し前までは「これが流行っているから聴こうぜ」みたいな空気がもう少し強かった気がします。もちろん、そういう聴き方も全然いいし、俺らも恩恵に預かったことはあるんだろうけど。でも、いずれにしろ、ちゃんと選んで聴いてもらえたときの嬉しさはすごく大きいですよね。これからも一曲一曲を大事にする、というスタイルを俺たちなりに体現していきたいし、次のフェーズでは何かやりたいなと思っています。

――改めて、アルバム全体の手応えについてはどう感じていますか？

清水：どうなんでしょう。この後にやりたいことはもう思い浮かんでいるので、たぶんやりきれたんだろうなとは思いますね。いい作品かどうかは聴いてもらわないと分からないし、ツアーを回ってみないと分からないけど、少なくともそれを楽しみにできる程度には自信があります。

――では、最後に。今後の予定では早くもドーム・ツアーが決定していますが、2023年以降に向けた展望、やりたいことのヴィジョンについてお聞かせください。

清水：このアルバムを作り始めるときに「レベル99のback numberが見たい」と思っていたんですよ。これが俺たちのマックスだと言える1枚を作らなきゃいけないって。でも、それがものすごいエゴで、ただの驕りだったということに途中で気づいて。ずっと筋トレしていれば基礎体力は上がっていくだろうけど、同時に周りの環境も空気も常に変わっていく。別にその時代に対する答えを出そうなんて言うつもりはないけど、頑なに「俺たちはこうなんだ」という自己満足に陥って、コアファンしか喜ばないバンドになってもしょうがない。というか、それって成長を止めることだから、愛情を持って支えてくれるコアファンにも背を向けることだよねって。上限なんかないんだなと思います。

――レベル101以降も続いていく。

清水：新しいスタートでしかない。五大ドーム・ツアーも今までとは違う、狭いスタジオに友達を呼んで曲を聴かせているような感覚でライブができると思っていて、それを見てもらえれば「こういうことか」と分かってもらえるはず。あとは、「back numberは聴かない」という人もいると思うので、そこをちゃんとひっくり返したいという気持ちもずっと持っていたいですね。今聴いてくれている人たち、『one room』（※ファンクラブの名称）という場所もすごく大切に思っているけど、そこだけを大事にするというのは違うと思っていて。その人たちが「うちの大将すげえだろう」と自慢できるようなバンドを目指せたらなと思います。