いわゆる“バンド・カルチャー”とは別の形での表現を大切にしたい

――2月のビルボードライブ公演は、1月18日の新作DVD『Captured』のタイトルを掲げた公演となります。『Captured』はソロとして初の映像作品となりますが、リリースに向けて心境はいかがですか？

金子：（ソロでの）ライブ自体は、始めてまだ1年ちょっとなんですけど、映像自体は清水康彦監督と二人三脚的に作り続けてきました。そういう意味では、彼との活動の一旦の総括というか。これまでの軌跡に加えて、新しいものも何本か撮り下ろして、かなり実験的なこともやらして貰っています。テクノロジーの進化で映像面もフットワークが軽くなっているし、すごく小さなカメラでも4Kの映像とかが撮れる。そういう可能性も追求しつつ、音楽はもちろん、映像も今までの作品をまとめて観られるのが面白いかなと思います。

――こうやって作品として世に出したいという話は以前からあったんですか？

金子：いや、元を正すと、ライブ音源が貯まってきていて「アルバムも良いけど、そっちもすごく良いからリリースしよう！」って言っていたのが発端ですね。で、どうせだったら映像も、この際、大盤振る舞いで行こう、と。今のご時世、こういうものを出すときはバンッと、採算度外視で出したくなっちゃうんです（笑）　でも、単純にそれらをまとめただけじゃなく、新しい何かが絶対に必要だろうということで、ここにしか入っていない音源と映像に加えて、作品コンセプトを考えました。ライブ映像とMVで曲が被らないようにしつつ、ドキュメンタリーも入って、全編を通してトータルで観られるような作品になっています。

▲『Captured』トレイラー映像

――単なるMV集やライブ映像集と比べると格段に凝った作りですよね。

金子：そもそもソロでの活動理念として、肉体的な、いわゆる“バンド・カルチャー”とは別の形での表現を大切にしたいというのがあったんです。そういう表現自体、元々、作り続けてはいたんですけど、それがようやく発表したり、ライブが出来る現場や環境が整ってきたので、そこを大切にしたいなと。

　あと、僕が13、4歳から出入りしているストリート・カルチャーみたいなところとは、全く違った部分での“テクノロジーの進化”みたいなものを、僕の世代はすごく感じていたんです。多分、僕らはアナログ・レコーディングを体感として知っている最後の世代なんですよね。当時は、まだ高校生だったんですけど、デビュー盤も全部アナログ録音で、まだProToolsとかも無かったんです。

――ProToolsが浸透し始めるのは90年代後半くらいからですよね。

金子：そうですね。97、98、99年と、段々デジタル録音が普及していきましたね。僕らはバンドでやっていたので、テクノロジーの変化に直接触れたり、それを使った作品を発表する機会は少なかったのですが、確実に変化は感じていました。他の人のサポートで入る現場だったり、レコーディングに参加してディレクションもするような場面でも、エンジニアさんや職人さんと一緒にやっていく中で新しいテクノロジーの流れを感じて、そういうものを使うことで、カッコいいものが作れるとも思っていました。だから、ここ10年弱くらい、僕がたまたま自分の名前でソロ活動ができるようになり始めた時に、それを媒介にみんなで面白いものを企んだり作ったりしていくような場面を作りたい、と思ったのが、ソロの出発点だったんです。屋号をつけるとしたら、それが一番まとまり易いのかなと。

一番リアルタイムで、新しい現場を育ていく楽しさがある

金子：面白いもので、自分の名前でも、一人歩きし始めちゃうと自分のものではないような感じなんですよね。

――ある種のプロジェクト名のような？

金子：そうですね。ハッシュタグがついちゃうみたいな（笑）

――それをプロデューサー感覚でも捉えているんですよね？

金子：元々ドラマーで、半分裏方みたいな気質なので、ソロの時も全体のバランスを取りながらやるのが得意なんです。これはクセというか、性分というか、性格だと思うんですけど、すごく俯瞰しちゃうんですよね。例えば、映画の撮影現場に入っても、結構“受け”でやることが多くて。相手や全体のバランスを見て「じゃあ、これくらいが良いのかな？」って考えて演技したり。ドラムを（客席に対して）横に向けて、映像と照明を背負って演奏するっていうソロのライブのスタイルも、全体のバランス見て、空間が回るようにステージを作るっていうことを無意識のうちにやっているのかなと。

――なるほど。では、金子さんの活動は俳優に、音楽に、と本当に多岐に渡っていますが、俯瞰した視点から見た場合、ソロ名義での音楽活動はどんな位置づけになるんでしょうか？

金子：僕はすごくラッキーで、今のところ、子供の頃からある要素だけでキャリアが成り立っているんです。子役もやっていたし、両親が音楽家という自分のルーツも含めて、これはもう、人に恵まれているとしか言えないですね。

　その中でも、一番リアルタイムで、新しい現場を育ていく楽しさがあるのがこれです。ライブの現場としても、まだまだ始まったばっかりで、どんどんどんどん現場自体に筋肉がついて育ってきて、トラブルにも対応できるようになってきて。メンバーもずっと同じなので、みんな自信がついてきて、良い意味で気楽に臨むことができる状態というか。そういう中で、フットワークとか可能性、音楽性も含めて、色んなマーケットを見ながら「こういうことを今、残しておいた方が良いんじゃないか？」って考えながらやっています。他人から見たら多面的な活動に見えるかも知れないんだけど、根幹は結構一つのところから広がっていたりして、僕の中では必然的なんです。

――なるほど。今回のビルボードライブのステージも、PABLOさん（ギター）と草間 敬さん（シンセ/マニピュレート）と3人でのオン・ステージになりますね。

金子：そうですね。あと照明に、これまでもずっとお願いしている久保良明さんに入って貰います。照明や音響など、他人から見たら裏方に見えるような人たちも、実際にはアーティストだし、彼らとの繋がりもこのプロジェクトではすごく大切なんです。彼らにも楽しんで悪巧みして貰えるような現場というか。それは自分達への救いにもなるし、ましてや観てくれる人の活力になれたら、それは最高だなって。すごく欲張りなんですけど。それに、バンドのカルチャーには変わらない良さが絶対にあって、だからこそ「何故まだそれをやっているのか？」っていう疑問の答えも、逆説的に、こういうところにあると思うんです。

――先日「Call My Name」のMVがアップされました。とても抽象的で、イメージを喚起する映像でしたが、映像の中身についても金子さん自身がディレクションしているんですか？

金子：ものによるんですが、あのMVは清水監督が、ああいうモチーフを提案してくれて撮りました。当初は映像作品（『Captured』）の中で、通しで観た時に収録されている映像だったんですが、すっごく出来が良かったので、切り離してリカットという形で公開しました。1日で撮ったのですが、カメラマン・チームも本当に手弁当で来てくれて、最小人数で撮りましたね。今はカメラも小さくても性能が良いから、それで（映像を）狙いながら「ちょっと歩いて来て！」とか言われて「は～い」みたいな（笑）　僕の車で運転しながら現場に行って、「すげーカッコイイ～！」とか言いながらどんどん素材を撮っていって。監督のセンスが爆発した現場でしたね。

――ちょっと学生の自主映画みたいな（笑）

金子：そうそう！本当にそうです！　でも、テクノロジーの進化と、清水監督みたいにバリバリやっていてビジョンのある人だと、逆算すればやれちゃうんですよね。別に何かに対するアンチテーゼとかではなく、「こういうことも出来るんだぜ！すごくない!?」っていうのは、すごく希望があるというか。そういうことを見せたいっていうのも、活動の動機としてあるんです。

▲金子ノブアキ 「Call My Name」（MV）

バンドの場合と違うのは、より個人で持ち帰って貰う“対話”の部分

――2016年は “世界的パフォーミングアーツ・カンパニー”、enraとのコラボレーション・ライブもありました。

金子：そうですね。特にソロでは音楽家じゃない人との交友を大切にしているかも知れません。清川あさみさんの書籍（『狼王ロボ』）だったり、「オルカ」のPVに登場している陽ちゃん（鈴木陽平）みたいなダンサーとか。ライブもインスタレーションに近かったりして、現代アートとかとも関わりが深い。音楽ライブではあるんだけど、もうちょっと総合（アート）的なものをやりたい、という意識から始まっていたのかなと思います。僕は元々、高校が堀越（高等学校）というのもあって周りにエンターテインメントに関わりが深い人が多くて、歌舞伎の中村勘九郎君みたいな人とも関わりがあったし、（他ジャンルの人と）よく他愛も無い話をするのが好きだったんです。そういうノスタルジーもありつつ、大人になって作品に繋がってきたっていう、必然的なものだったのかなと思いますね。

▲金子ノブアキ「Firebird」 - Special Exhibition with enra -

――当時から色々な芸術表現に関心を持たれていたんですね。

金子：すごい好きでしたね。バンドで楽器で大きい音をドカンと出して、「うわー！」って躍動感あふれる現場も好きなんだけど（笑）、それとは真逆で、美術館とか映画館とか本屋さんとか、全く音が無い場所もすごく好きで。そういう場所って、日本においては特に国民性がいちばん美しく出る場所かなと僕は思っていて。なんとなくみんながルールを設けていて、なんとなくみんなが尊重しあって、肩寄せ合っているみたいなのって、すごく良いと思うんですよね。

――先ほどインスタレーションという例えも出ましたが、今回、ビルボードライブというクラブ会場での環境の公演ということで、どんなステージになりそうですか？

金子：こういうことを現場として立ち上げて1年半くらい経って、漠然とやりたい会場を考えていった時に、ビルボードライブっていうのは確実に頭にありましたね。「ビルボードでやれたら最高だなー」みたいな。だから、一個の夢の実現ですよ。未だに「本当かよ!?」って思っちゃうんですけど（笑）　僕らもそうだけど、映像チームとか照明チームとか音響チームは燃えていると思います。「何を企てようかな～！」って（笑）

　これ以上ないステージを用意して貰えて、僕らは何をすべきか。もちろん何も変えない部分もあるんですけど、今回『Captured』を引っ提げてのライブでもあるので面白いことも色々と考えています。ネタバレしちゃうとアレなんですけど、DVDの内容ともリンクする部分もあるし、ビルボードの空間ありきの演出とかも、色々と考えて詰めているところですね。

――そういうアイデアは、他愛のないことも含めて、色々と会話をする中で出てくるものなんですね。

金子：そうですね。楽しく盛り上がって、みんなで妄想して夢を見ていることを、直ぐに行動して形にしてしまう。そういう現場がここだったりするんです。

　僕達自身も自分達の音楽に救われているんですけど、バンドの場合と違うのは、より個人個人で持ち帰って貰う“対話”の部分なんですよね。美術館や本屋さんに行ってもそうだし、一人で食事に行くのもそうかも知れない。なんとなく自分の人生のことを思案する時間なんです。ライブを観ているんだけど、漠然と、考えるべき大事なことについて浮き彫りにしていくような時間というか。それが最近すごく明確になってきています。ロック・バンドのライブで盛り上がって、ダイブしてモッシュして、身体を洗い流してスッキリ帰ってくれよ！っていうのとは少し違っていて。それは朝と夜の繰り返しのようなもんだし、潮の満ち干きのようなもんだし、夏が来て冬が来てっていうこととかと一緒かも知れない。対極にあるようで、でも、音楽で力になりたいっていう部分は同じ。相互作用しつつ、音楽や芸術の持っている力っていう意味で、根っこは一緒ですよね。

――その両方を楽しめるということも重要ですよね。

金子：そうですね。色々なあり方があってしかるべきだし、その一つの表現かなと思います。年齢感とか、キャリアのタイミング的にもすごく必然的なんですよね。僕とかPABLOとか草間さんとか清水監督とか。皆でやっていることの中で、今すごくそういうところに呼び寄せられているわけで。でも、なかなか現場にしようって言っても叶わないことだから、そういう意味ではすごくラッキーだなと思います。

　あと、この間、PABLOくんのPay money To my PainっていうバンドのBOXセットが、オリコンでデイリー1位を取って、祝賀会みたいなことをやったんです。彼らは、ヴォーカルのKちゃんが亡くなった時から、バンドの時間が止まっているような状態だから、今回の事でPABLOくんの中でも、時計の針がまた動き出したような感じがあると思って。それも踏まえて、いまセットリストを考えていて、そういう意味でも、今回のライブはものすごく重要なものになってくる気がします。彼もきっとそれは分かってくれていると思いますね。

▲『Pay money To my Pain』BOX SET Blu-rayより

バンドの場合と違うのは、より個人で持ち帰って貰う“対話”の部分

――お話の中で何度も“現場”という言葉が出てきて、そこで作り上げていくものへの熱意を強く感じたのですが、最後にあえてまた俯瞰で、金子さん自身の今後のマスタープランのようなものがあったら教えて下さい。

金子：漠然とあります。中学生の頃からやっているバンドが、今も生きながらえているっていうことがまず素晴らしくて、その上で、ソロでやっていることや、最近は劇伴もやらせて貰っていて、そういう立ち位置がすごく心地良いんです。自分の年齢も考えて、これから40代、50代とやっていけるとしたら…ということも考えつつ、でも、人生って分からないから、いきなりポコーンって死んじゃった時に、じゃあ何を残しているべきか？ ということも考えつつ、自分のプランとしては、さらにフットワークを軽く、歴史の表にも裏にも立っていたい、って思っています。

　劇伴を作っても、やっぱり映画は監督のもので、でも、その背中を「ガーッ！」て押し上げていくような作業が、僕はたまらなく好きなんです。これはもうドラマーの性（さが）ですよね。テンポや熱量をコントロールして、少しずつ湯加減さじ加減を変えていくっていう、そういうのもすごく好きなんです。

　（ライブには）僕個人の活動を気に入って来てくれる人もいるはずなんですよ。「TVや映画で観て」とか「バンドが好きで」とか。そういう現場も、もちろんキープして行きつつ、より“暗躍する”というか、表に出ないような仕事とも全部が繋がって、風通し良くやっていきたいなと思います。年齢的にも、監督とかプロデューサーとかの世代が近くなってきて、下積み当時から知っているような人に、「やっと来たね！おめでとう！」って言えるような機会も多くなってきました。そういう時に（仕事で）声を掛けて貰ったりすると、本当に胸が熱くなるし…。僕は子役から現場にいるから、周りの人間がサクセスしていくこととか、やりたいことをやっていることとか、すごく応援したくなるんです。

　例えば、有名な俳優さんだけど、実は制作に関わりたくて、自主映画を沢山作っている人とも活動しているし。やっぱり、みんな夢を見てやっているんだ！ っていうことを、錆びつかせたくないし、風化させたくない…！　そういうところしかないんですよね。もちろん、人は一人では生きられないから、周りにいる人と一緒に作っていくしかない。でも、主観になり過ぎず、最終的には観た人に何か残るものをっていうところのバランスというか。最高に欲張りだけど、欲張って行きたいんです。日本のマーケットってすごい独特だから、そういうのが難しいとされている土壌もあって、でも、そこを打破していくのも快感なんですよね。

――スペシャリスト志向も強いですからね。

金子：それもありますし、「芸能によったら振り切り過ぎちゃう」とか「やっぱり事務所ありき」とかっていうパワー・バランスの部分ですよね。（芸能界は）組合で始まっている世界だから、そういう考えも理解出来るんですけど、「でも、やってやれないことも無いんじゃないかな」と思って何十年もやってきて、それがだんだん手繰り寄って来ているような気がしているんです。だから全然、花開いてる感って無くて、まだまだ途中なんですよね。やっと始まったな！みたいな。

　子役の頃は、大人に言われて朝早いし眠いし「こんなこと全然望んでないのに！」って…今思うと愚かだけど。その破壊衝動でバンドを組んで、JESSEと二人で「全部ぶっ壊してやれ！」って始めたのがRIZEでした（笑）　10代の後半からライブハウスに出入りして、スカウトされて、学校に通いながら（メジャー）デビュー盤を録って。その頃は、親の世代に偉大な背中が沢山あって、当時、親と同世代だったスタッフさんが、俺らがデビューする頃にはすごく偉くなっていたりして、そういう大人に、俺達がどれだけ守られてきたのか、今になって再認識することも多くて。で、今は同世代の奴らがそうなり始めている。だから、僕はタイミング的にもすごく滾っている状態なんですよね。

　こういう（ソロの）取り組みがハブになってくれたら最高だし、やっていることもインスタレーションだからある種、人が感動するってことに対してのハブですよね。バンドマンとしてステージに立って「人間全開！」みたいな感じというよりは、空間で見せていくものだから。僕も40（代）手前に差し掛かって、自然とそういう気持ちになってきたのもあります。お客さんも、バンドのライブに昔行っていたけど、子供が居たりして今はキツイっていう人もいるだろうし、「こういうこともやっているんですね！」っていう人も多いと思う。逆にソロからバンドに行って貰っても良い。入り口は沢山用意していきたいっていう野望もあって、TVでも映画でも雑誌でも、もちろんビジュアルから入って貰っても良いです。まだアラフォーで、ギリギリ持ち堪えているかなと…

――いやいや（笑）

金子：それも切り売りして（笑）、俯瞰して、やれるうちはやりたいな、と。さっき言った「歴史の裏にも行きたい」っていうのは、そういう年齢感もありますよね。いつまでも表舞台だけで、ってわけには行かないから。

――今後はさらに自分自身を触媒にしつつ、色んなもののハブになっていくと。

金子：そうですね。僕がステージに居る時は、バーンッて出ているみたいにはなるんだけど、そこを通してエネルギーを回して、また返して行く、みたいな。そうやって、みんなで進んでいく推進力の一部になりたい。そういう気持ちって、芸術表現が生まれた発端だとも思うんです。そういうルーツに立ち返る意味でも、すごく大事な現場ですよね、ここは。2月のステージも、絶対に最高のステージにしたいなと思います。